Sala El Ring

Presentación del CORTOMETRAJE

Sala Experimental El Ring — 2012-03-05T11:59:59Z

Magic Trick (José Luis Estañ y Santi Avendaño)

La SALA EXPERIMENTAL EL RING se complace en presentar este maggnifico evento. Este corto, realizado con todo la pasión y el buen hacer de estos dos artistas que sin duda llegarán a ser de los grandes. De los grandes de verdad y no de los mediaticos.

SINOPSIS DEL ESPECTÁCULO : Pipa y Toni son dos jóvenes con una aspiración en la vida muy clara: convertirse en atracadores profesionales. No pararán hasta conseguirlo, y casualidades de la vida, el destino ha puesto a su alcance, la oportunidad para lograr su objetivo.
WEB DELcorto: http://www.chicosviejos.com
El Trailer podeis verlo en: http://www.youtube.com/watch?v=ZGNk...

CICLO de CINE "PORNO QUE HIZO EPOCA"

Sala Experimental El Ring — 2011-12-13T10:40:16Z

Han pasado casi cuarenta años desde su estreno, tuvo cinco secuelas y un par de remakes, hay videos XXX que invocan a Satanás con una intención más trangresora y sin embargo El diablo y la señorita Jones sigue siendo una obra inclasificable dentro del vasto mundo de la pornografía. El despertar sexual de una recatada mujer es uno de los argumentos más trillados en el cine para adultos pero Devil in Miss Jones se distingue de los demás por mantener un tono semejante al de Café Flesh, una de las pocas películas pornográficas que busca repeler más que excitar al espectador. El catolicismo de su director Gerard Damiano sin duda tuvo mucho que ver con esto, aunque las aportaciones de Georgina Spelvin y Alden Shuman no son nada despreciables.

Devil in Miss Jones dura apenas 66 minutos y los primeros quince son insólitos por varias razones. La primera es la ausencia de sexo explícito, con excepción de unos fugaces acercamientos a la vulva de la actriz principal.

Georgina Spelvin ha contado en varias ocasiones cómo a principios de los setenta había aceptado participar en algunas películas pornográficas, softcore y hardcore, debido a su apremiante situación económica. Por Harry Reems se enteró que Gerard Damiano iba a rodar Devil in Miss Jones y éste le ofreció trabajo detrás de cámaras, como cocinera. Poco después le pidieron que le diera la réplica a los actores, por ser ella la única mujer que había en ese momento en el set, y como Spelvin había trabajado en Broadway lo hizo con tal naturalidad que al enfermar la actriz prevista para el papel principal, que en el libreto original era una chica de 19 años, Damiano decidió reescribirlo para convertir a Justine Jones en una solterona. Georgina Spelvin tenía entonces 36 años y estaba lejos del estereotipo de actriz porno. La chica que había sido contratada para el protagónico, por el contrario, tenía 22 años y contaba con las protuberancias indispensables. En realidad fue una suerte que Georgina Spelvin sustituyera a la otra actriz, sobre todo para esos primeros quince minutos que apartan a Devil in Miss Jones del resto del cine porno.

La transformación de Justine Jones, de solterona reprimida a vampiresa insaciable, probablemente sería menos creíble si el personaje lo interpretara la típica estrella porno. Era mucho más fácil aceptar a Georgina Spelvin como una doncella que al fin descubre el erotismo. Más allá de su aspecto físico, la clave para el funcionamiento de El diablo y la señorita Jones es la capacidad interpretativa de su actriz principal, ya que el objetivo de la película es indagar en el placer femenino, algo anómalo en el cine porno. En las cintas de sexo explícito lo usual es que las mujeres estimulen al espectador, que los productores suponen será siempre masculino, dejando a un lado su propio placer, de ahí lo mecanizado de las poses y las expresiones de tantas actrices. En la película de Gerard Damiano vemos cómo Justine Jones explora el goce erótico en su propio beneficio, con Georgina Spelvin dándole instrucciones a los hombres que la están penetrando, y es a fin de cuentas esta cualidad lo que impide que Devil in Miss Jones sea sólo un chiste.

CINE EN SUPER 8

Sala Experimental El Ring — 2011-12-07T19:29:00Z

Albert de Courville comenzó su carrera como director de escena en Gran Bretaña antes de volver a las películas en la década de 1930. Ha dirigido varios espectáculos musicales Jesse Mathews, incluyendo Ahí va la novia (1932), y una comedia Constance Cummings, Extraños en luna de miel (1936). En la década de 1940 viajó a Nueva York y regresó a sus raíces teatrales, dirigiendo varias Broadway

CINE EN SUPER 8

Sala Experimental El Ring — 2011-11-25T18:24:33Z

Pocas cosas hay más subjetivas que la risa. Por eso únicamente puedo decir que Siete ocasiones, aunque no goce de la fama y el prestigio de El maquinista de la General o El moderno Sherlock Holmes, me parece la más hilarante película de Buster Keaton.

Creo que el secreto radica en el hecho que contiene todos los registros de su humor. La película se estructura claramente en dos partes. En la primera, de un tempo reposado, asistimos a un humor sutil, hecho de pequeños gestos, que nos invita mayoritariamente a la sonrisa. De la filmografía del propio Keaton puede recordarnos la poética surrealista de El rey de los cowboys o determinados pasajes de El navegante; si buscamos otras analogías, el gusto por el detalle humorístico en el interior del encuadre puede evocar también a Tati.

La segunda parte, en cambio, es quizás el fragmento cómico más frenético de su cine y nos lleva directamente a sus más delirantes cortometrajes, como Cops. Certifico, como rata de Filmoteca, que pocas veces he oído —y compartido— tantas carcajadas en una sala.

Y lo mejor es que, a través de la risa y casi sin darnos cuenta, asistimos a una inigualable lección cinematográfica de puesta en escena y sentido del ritmo.

CINE EN SUPER 8

Sala Experimental El Ring — 2011-11-09T17:59:19Z

El gran dictador es una sátira del fascismo, y en particular de Adolf Hitler y su Nacionalsocialismo.
Chaplin realiza en su segundo largometraje sonoro una sátira agria de Hitler. La Segunda Guerra Mundial comienza el 1 de septiembre de 1939 y el rodaje comienza el 9 de septiembre de 1939 en un gran hermetismo por las presiones que estaba recibiendo para no filmarla de la embajada alemana y de su productora United Artist, que había recibido amenazas de boicot. La política estadounidense era neutral en ese entonces y se "desalentaban" producciones antihitlerianas. Pese a esto y a que las críticas de la prensa fueron negativas en particular con su discurso final, fue la película que más recaudó de las que realizó. Por esta película y por sus ideas sería perseguido por el Comité de Actividades Antiestadounidenses, teniendo luego que exiliarse de EEUU.

Chaplin interpreta en la película a dos personajes. Esta cinta fue el primer filme sonoro, con diálogos, de Chaplin. La película no se estrenaría en Alemania hasta 1958, aunque esta era una de las películas predilectas que tenía Hitler en su cine particular [cita requerida], y obtuvo sus mayores éxitos después de 1945. Al conocer años después el horror de los campos de exterminio, Chaplin afirmó que no hubiera realizado la película de saberlo, aunque muestra gran intuición sobre el tema al realizarla, con una fuerte carga de moralidad y llena de parodias y críticas hacia un sistema político tan fuerte como era el nacionalsocialismo. Chaplin al final de la película sorprende con un manifiesto tremendamente emotivo donde expone el horror de la guerra y lo terrible que es para las personas estar sometidas bajo la figura de un dictador.

Estreno en Estados Unidos: 15 de octubre de 1940, Nueva York.
Estreno en Reino Unido: 16 de diciembre de 1940, Londres.
Estreno en España: 30 de abril de 1976.

Yo Vicente Leal asistí al estreno primero en Nueva York, luego en Londres y después en Madrid. Y ha sido la única vez que he visto al publico en pie aplaudiendo con gran entusiasmo. cuando concluyo la pelicula como si de una obra de teatro se tratará.

CINE EN SUPER 8

Sala Experimental El Ring — 2011-11-02T22:48:10Z

Film a medio camino entre la screwball comedy y el musical, ya que influenciado por ambos estilos consigue el gran propósito de entretener en una época muy dificil para los EEUU, no olvidemos que el país, durante ese año, se mete de lleno en plena II Guerra Mundial.

Cimentada en una pareja con gran popularidad entre el gran público como son James Stewart (que dejará el cine momentáneamente para defender patrióticamente las "barras y estrellas" en Europa) y Paulette Goddard la película, sin grandes alardes, cumple fielmente sus pretensiones de entretener y evadir de la dura realidad gracias a un medio universal como es el cine.

CINE EN SUPER 8

Sala Experimental El Ring — 2011-10-24T15:54:34Z

Todo un clásico de terror convertida en obra de culto. Rodada en apenas tres semanas, marcó unos patrones en el género que todavía hoy en día se repiten y plagian hasta la saciedad.

Impactante film de terror capaz de poner los pelos como escarpias. Minimalista banda sonora del propio Carpenter que sigue quitando el hipo.

He aquí una de las películas mas imitadas de la historia, la que popularizó el muchas veces alicaído género de películas con la figura principal del “slasher” , un sujeto de imagen amenazante que va asesinando con cualquier tipo de objetos punzo penetrantes a chicos y chicas normalmente de muy buen ver.

A diferencia de sus referentes modernos esta obra creada por el director de culto John Carpenter en 1978 el menos intenta, aunque de forma no muy conseguida, penetrar en el perfil de los personajes principales, escasamente desarrollados donde predomina la intención del guionista para adentrar en sus motivaciones que la propia profundización de los mismos, dichos personajes al sol de hoy podrán parecer demasiado tópicos y predecibles y es simplemente porque desde el estreno de este filme los personajes de este tipo y dentro de estas situaciones han sido imitados hasta la saciedad infinidad de veces.

Aparte de su problema en el desarrollo de los personajes, lo mas importante de esta película es la consecución de su atmósfera de suspenso, Carpenter (inspirado en el trabajo del maestro Alfred Hitchcock al cual homenajea en varias oportunidades durante la cinta), va narrando la cinta con un ritmo adecuado sin prisas pero sin pausa realmente adecuado al tono plausible del filme, la historia se va narrando de manera mas o menos fluida hasta las estupendamente logradas escenas de mayor clímax. La música compuesta por el propio Carpenter sigue siendo unas de las mejores en la historia del cine y la misma esta inspirada (según palabras del mismo John) en otras dos bandas sonoras clásicas del género: El Exorcista y Suspiria. Las actuaciones no sobrepasan el promedio pero la carismática presencia de Jaime Lee Curtis le haría ganar miles de fans por todo el mundo haciéndole ganar el título de “La reina del grito”, además tenemos otro factor importante en esta cinta y es el escaso uso de sangre y violencia gratuita, dos elementos que esta película no necesita para crear una buena atmósfera de suspenso, tal vez las generaciones de hoy en día acostumbrados al frenético y muchas veces dañino ritmo videoclipero y a la extrema y muchas veces innecesaria violencia explicita, encuentren a este filme soso y suave, pero eso es simplemente no poder apreciar muchas de las otras cualidades del filme y es que es esa misma insinuación, esa omisión de la violencia siempre en aras de sugerir sobre mostrar y aún así conseguir el suspenso deseado una de las grandes cualidades de este clásico del terror.

Rodada tan solo en tres semanas y con un presupuesto de 325.000 dólares la película recaudó 47 millones solo en los Estados Unidos y generó varias secuelas de inferior calidad, por lo que también es una de las cintas más rentables de la historia.

Llena de numerosos guiños cinematográficos, filmada con un estupendo trabajo de John Carpenter en la dirección (el plano secuencia inicial es considerado uno de los mejores de la historia), Halloween no será la mejor ni la mas brillante película de horror en la historia, de hecho posee varias imperfecciones, pero su atmósfera cautivante, su gran trabajo y esfuerzo tras las cámaras y la presencia de dos de los personajes mas carismáticos de la historia del género la hacen una indispensable dentro del terror contemporáneo. Además recordemos que esta cinta se encargó de crear unas pautas dentro del género que hoy por hoy todavía se repiten hasta el infinito, solo por eso, ya merece ser visionada.

CINE EN SUPER 8

Sala Experimental El Ring — 2011-10-18T12:08:27Z

Basada en la novela La máquina del tiempo, de H.G. Wells, El tiempo en sus manos (The Time Machine, 1960) anticipa un inquietante futuro en el que nuestra desmoronada sociedad se divide en dos castas irreconciliables.

A la hora de pintar este paisaje, George Pal, productor y director de esta soberbia película, opta por deslumbrar al espectador, sustituyendo toda crudeza por los brillos de la aventura en Technicolor, con el aliciente de unos magníficos efectos especiales.

Así, mitigando la sordidez que sugiere el porvenir propuesto, Pal consigue una divertida aventura temporal con un guión sólido, bien resuelto, que se abre cuando, durante una reunión en la Nochevieja de 1899, el viajero del tiempo (encarnado impecablemente por Rod Taylor) realiza ante sus amigos una demostración experimental de su descubrimiento: una máquina capaz de trasladarse a través de los siglos.

Durante su prodigioso periplo, el viajero se detiene en 1914 y 1941, hallando un mundo sumido en terribles guerras. En 1966 un conflicto nuclear significa el fin de la vieja civilización.

Ya en el año 802.701, el viajero conoce a los Eloi, una pacífica raza de humanos que vive en la superficie, huyendo de los espantosos Morlocks del subsuelo, que suponen su mayor amenaza.

Los decorados de El tiempo en sus manos recuerdan la plástica de las ilustraciones de Virgil Finlay, elegantes a la par que sugerentes –recuerden a la espléndida Yvette Mimieux, retozando entre manantiales y plantas tropicales–. A decir verdad, todo en esta película respira el espíritu de George Pal, hombre fascinado por lo maravilloso con mayúsculas, primera encarnación de un tipo de cineasta que décadas más tarde encarnarían Lucas o Spielberg.

La magia de George Pal

Nacido en Cegled (Hungría) en 1908, George Pal se matriculó muy joven en la Academia de Artes de Budapest para estudiar la que entonces era su vocación, la arquitectura.

Al terminar la carrera, su espíritu viajero le condujo a Alemania, donde fue contratado en 1922 por los responsables del departamento de caricaturas de la UFA. Pasados diez años, se trasladó a Praga, y posteriormente a París, donde llegó a abrir unos estudios, y luego a Holanda, cruzando finalmente el océano en 1939 para trabajar al servicio de la Paramount.

Para esta compañía realizó 42 Puppetoons, o películas de animación realizadas con muñecos de madera.

Solo ante el peligro

Sala Experimental El Ring — 2011-10-13T23:11:41Z

Si hay un título mítico dentro del género de western es ‘Solo ante el peligro' (‘High Noon'). Y no sólo porque se convirtiera en una película de éxito inmediato, con varios premios Oscar y con una fama acumulada a lo largo del tiempo, sino porque su excelente factura y sus ingredientes, suponen la esencia misma del género. Aunque, también es cierto, que la obra de Fred Zinnemann es de puro suspense usando el escenario y los personajes habituales del oeste.

Zinnemann alcanzó con este título y su siguiente obra ‘De aquí a la eternidad' su cenit, y demostró su sobrado talento y su enorme capacidad para manejar el tiempo en la narración. Junto a su brillante dirección, hay que destacar de forma sobresaliente a su protagonista, un Gary Cooper crepuscular y colosal, así como un montaje perfecto (obra de Elmo Williams) acompañado de la inconfudible música de Dimitri Tiomkin. Todo ello bajo la producción del avispado Stanley Kramer.

También es cierto que ayudó enormemente al éxito en su época el tema principal de la banda sonora, interpretado por el cantante y actor Tex Ritter, que alcanzó enorme popularidad. Y aunque en la actualidad estemos acostumbrados a que una canción ayude a la promoción de una película, en aquellos tiempos no era lo habitual. Sobresaliente se puede calificar del trabajo de Gary Cooper, que recuperó su aletargada fama y prestigio para convertirse en el sheriff Will Kane, uno de los más famosos para la posteridad del cine del oeste.

Además de sus valores puramente cinematográficos, este título es emblemático porque ayudó sobremanera a estimular el género, alcanzando la cumbre del western psicológico, que naciera con ‘La diligencia'.

No debe ser fácil escribir, filmar y editar una película en tiempo real. Quiero decir: una película de una hora y media que cuenta una historia que ocurre en una hora y media. Debe haber unas cuatro o cinco en la historia del cine, pero ahora, en este momento, recuerdo muy bien dos. Una película del infravalorado John Badham, Nick of time, que le da una hora a un tipo común y corriente para asesinar a una candidata política. Y esta, High Noon, conocida como Sólo ante el peligro o A la hora señalada, en la que un sheriff honorable, Will Kane (Gary Cooper), trata de conseguir ayuda, durante un poco más de una hora, para enfrentar a un criminal que se dirige al pueblo en donde vive. Y en donde, ese mismo día, acaba de casarse con la señorita Amy Fowler (Grace Kelly) en una ceremonia breve, discreta, feliz, antes de emprender un incierto viaje de luna de miel.

Se dice que High Noon, dirigida por Fred Zinnemann (autor de clásicos como De aquí a la eternidad y A man for all seasons), ha sido una de las películas más proyectadas en la sala privada de la Casa Blanca. Se dice, también, que en tiempos del Comité de actividades antiamericanas (un grupo formado por la Cámara de representantes para descubrir supuestas organizaciones de izquierda), en tiempos de la lista negra de Hollywood (desde la mitad de los cuarenta hasta la mitad de los cincuenta), se convirtió en una crítica a la horrenda cacería de brujas que dejó familias destrozadas, un símbolo de la lucha por la libertad en el país que en teoría la defiende a ultranza. Era 1952. Y la paranoia rondaba todos los estudios de Hollywood.

La película, acusada por algunos de antipatriota (y entre esos algunos valdría la pena recordar a John Wayne), ganó 4 de los 7 premios Óscar para los que se encontraba nominada. Entre estos, uno para Gary Cooper. Recibió, en Estados Unidos, unos 8 premios más, incluídos 4 Globos de Oro y el reconocimiento de los críticos de Nueva York como la mejor producción del año. Prueba de que Hollywood, muy en el fondo, en la puerta de atrás del inconsciente, sabía que había cometido un error al entregar a los escritores que supuestamente eran comunistas. Prueba, también, de que la calidad de la película, más allá de sus interpretaciones, resultaba innegable.

El ladrón de bicicletas

Sala Experimental El Ring — 2011-10-05T01:22:12Z

La Sala Experimental El Ring apuesta TODOS LOS DOMINGOS por la tarde, por volver a sentir como era el CINE en SUPER 8.

las mejores peliculas de todos los tiempos. Desde el cine mudo acompañado por un PIANISTA EN DIRECTO, hasta las míticas producciones de cine sonoro de todos los tiempos.

Para hoy y para ayer ...como antaño.

Y después FORUM, una breve presentación y un coloquio-forum, para los que lo deseen, tambien al final de la sala, aunque la de este domingo no sea de romanos, los asistentes podrán disfrutar de una ultima fila de butacas lo mas oscura posible.

Este Domingo

EL LADRON DE BICICLETAS

de VITTORIO DE SICA

Octavo largometraje de De Sica y una de sus obras más emblemáticas. Se estrena el 24-XI-1948 (Italia). La narración está hecha con ánimo más documental y testimonial que reivindicativo.

La historia es sencilla, simple, casi minimalista, pero directa, conmovedora e intensa. Los intérpretes son actores no profesionales, que aportan verismo y naturalidad. Los personajes son seres corrientes, normales, del montón. No se emplean decorados artificiales: se rueda lo que hay según se ve, sin artificios, ni adornos. El guión elabora unos diálogos que reflejan el modo de hablar de las personas sencillas. Desarrolla una progresión dramática creíble y convincente, que se focaliza en la desesperación individual. La autenticidad y realismo que animan al film son posiblemente las causas por las que éste conserva su frescura y su fuerza.

En un segundo nivel narrativo, se explican las relaciones padre/hijo, puestas a prueba en la empresa de buscar la bicicleta sustraída. La dinámica de los hechos hace que las actitudes de ambos evolucionan, maduren y se transformen. La figura de Bruno (Staiola), de 6 años, listo, tierno y afectuoso, compone uno de los personajes infantiles más atractivos del cine. La obra incorpora momentos de emotividad chaplinesca: la comida de niño rico y del pobre en el restaurante, la ternura de Bruno evoca la de “El chico” (Chaplin, 1920) y el emocionante plano final.

La cinta plantea cuestiones intemporales, de interés actual, como el trabajo por cuenta ajena de menores (Bruno en la gasolinera como recadero), la escolarización no obligatoria, los desastres perdurables de la guerra, las deficiencias de la Administración y de las Instituciones públicas, el derecho al trabajo, el drama del paro de larga duración, la insuficiencia de los servicios público (transporte, seguridad, policía…), etc. Junto con ”El limpiabotas“ (1946), “Milagro en Milán” (1950) y “Umberto D.” (1952), el film compone la tetralogía que De Sica y Zavattini dedican a la realidad italiana (por extensión europea) de la posguerra Sergio Leone debuta como auxiliar de dirección y extra (capellán día de lluvia). La bicicleta tenía en la Italia de 1948 resonancias de libertad singulares, dada la prohibición de su uso durante los años de la ocupación alemana. El film es homenajeado por Woody Allen en “Broadway Danny Rose” (1984).

La música, de Alessandro Cicognini (“El limpiabotas”) compone una partitura melancólica, de cuerda y viento, con melodía a cargo del clarinete. Añade una alegre canción popular con guitarra y mandolina. La fotografía, de Carlo Montuori, en B/N, elabora imágenes rigurosas, realistas y de admirable sencillez clásica. Hace uso frecuente de perspectivas panorámicas y encuadres generales. Obra mítica de la historia del cine.